Journal | Mars 2021

Fin d’automne

Fin d’automne, film de Yasujirō Ozu, 1960

Entre traditions et modernité, les « différences de point de vue » entre un groupe d’hommes de la bonne société japonaise très actifs dans leurs projets de vouloir vite remarier la veuve d’un ami récemment décédé (et sa fille tant qu’on y est), et les intéressées elles-mêmes, qui n’en ont pas spécifiquement envie... Dit comme ça, d’un point de vue occidental des années 2020, les choses peuvent paraître simples. Et pourtant...
En effet, j’ai vraiment eu l’impression qu’il me manquait des clés culturelles pour comprendre toute la profondeur du film et certains passages m’ont mise profondément mal à l’aise. On comprend bien que ces amis agissent de leur point de vue en protecteurs, la vie seul étant considérée comme beaucoup plus difficile que la vie en couple, affectivement, logistiquement ou financièrement. Mais déjà là, côté éthique d’une spectatrice — un peu libertaire sur les bords — occidentale 60 ans après la sortie du film, ça coince. C’est aussi l’occasion de se rappeler à quel point la société a pu changer en 60 ans (et continue ! =) ), aussi en bien. Comme toi tout n’est pas toujours tout noir, « c’était mieux avant » toussa toussa... ça laisse quand même de l’espoir pour l’avenir.
Puis il faut reconnaître que la valorisation des mariages arrangés n’est pas trop au goût du jour.
Ensuite, j’ai été assez désappointée par les revirements de la fille qui veut pas, qui veut... et finalement on ne sait pas, en tous cas moi je n’ai pas réussi à comprendre si sa résolution relevait d’un réel désir ou d’une décision par défaut ou convention. Le mot est lâché, c’est peut-être ça qui m’a dérangée en fait : le poids des conventions... qui peut gâcher tellement de vies.
Quoi qu’il en soit, un film tout en demi-teintes, très réussi, déstabilisant de mon point de vue, mais qui propose à la fois une étude historico-sociologique si l’on veut assez passionnante, et aborde la question toujours d’actualité des mariages arrangés par une analyse non binaire (dans la cadre de structures sociales japonaises des années 60, il me semble important tout de même d’insister sur la remise en contexte).

Numéro 9

Numéro 9, film de Shane Acker, 2009

Chouette film plein de poésie. J’ai passé un moment très agréable mais je reconnais qu’il n’en restera probablement pas grand chose d’ici quelques temps... Pas marquant, mais vaut le visionnage tout de même.

Des fleurs pour Algernon

Des fleurs pour Algernon, film d’Yves Angelo, 2013

Tombée par hasard sur cette adaptation du roman de Daniel Keyes, que j’avais particulièrement bien aimé, ce film diffusé sur Arte est en fait issu d’une adaptation du roman en pièce de théâtre, un seul en scène adapté et mis en scène par Gérald Sibleyras, joué par Grégory Gadebois, en 2012 et 2013. Yves Angelo a ensuite transposé ce travail à l’écran, et c’est certainement grâce à ce cheminement tortueux qu’il arrive à nous offrir ce qui est, à mon goût et ma connaissance, la plus belle adaptation, en tous cas la plus fidèle dans le récit et les émotions que celui-ci suscite, qu’il m’ait été donné de voir.
La forme peut choquer — Grégory Gadebois, seul face à la caméra, comme s’il était suivi par une équipe documentaire, un peu façon vlog, tantôt dans ses décors quotidiens, tantôt dans un décor blanc abstrait, sans aucun autre personnage à l’écran, sinon au hasard d’une main ou d’un pied... Tout comme dans le roman, qui prend la forme du journal qu’on demande à Charlie de tenir au jour le jour, Charlie nous partage ici ses journées, ses réflexions, ses états d’âme. Tout comme dans le roman, où l’évolution de Charlie passe par l’évolution de son écriture, elle passe ici par l’évolution de son expression, de sa façon de se tenir, de se présenter, s’entourer ou non d’objets. C’est là que réside le tour de force, le génie de Grégory Gadebois, et la pleine réussite de l’adaptation. L’évolution de ses centres d’intérêt, de sa façon de se voir lui-même, de « s’intégrer », de son rapport aux autres.

Car oui, Des fleurs pour Algernon, c’est l’histoire de Charlie, un Charlie dont on a mesuré le QI, 68, la même valeur que pour Algernon, la souris sur qui on a testé une opération destinée à améliorer substantiellement l’intelligence. Algernon bat Charlie au test du labyrinthe. Et Charlie ne le prend pas très bien. Mais Charlie sera bientôt sujet de cette expérimentation à échelle humaine pour les humains. Ça va marcher...

De l’incapacité de partager ce qu’il pense et ressent. D’un côté comme de l’autre, la solitude de ne pouvoir réellement prendre et entretenir contact, car trop décalé, par excès d’innocence, ou de clairvoyance. Le livre m’avait profondément émue et marquée, il en est de même pour cette adaptation... (dispo entre autres sur Arte vod)

L’éveil Awakenings

L’éveil Awakenings, film de Penny Marshall, 1990

Nouveau visionnage à l’occasion d’un partage. Très beau film sur la façon d’être au monde, quand d’anciens « morts-vivants » revenus de leur léthargie après un traitement expérimental du syndrome parkinsonien post-encéphalitique dont ils sont victimes réveillent leurs soignants et entourages de leur morosité en leur rappelant à quel point la vie peut être belle. Jouant un peu trop du pathos, l’histoire demeure belle et très bien servie, notamment par le duo Robin Willimas-Robert De Niro. Il est toujours bon de se rappeler que, parfois, la vie peut être belle, et que dans tous les cas elle est beaucoup plus courte que ce que l’on croit.

La jetée

La jetée, film « photo-roman » de Chris Marker, 1962

Film culte de 28 minutes et facilement trouvable ici ou là [1], à la fois inspiré (on y retrouve notamment hommage à Vertigo (Sueurs froides) que j’aimerais bien revoir, tiens !) et inspirant (base de l’une des trames de L’armée des 12 singes de Terry Gilliam), à voir ou revoir sans modération.
Un rythme assez particulier cependant, éviter la toute fin de soirée pour en avoir une meilleure expérience.

La grande bouffe La grande abbuffata

La grande bouffe La grande abbuffata, film de Marco Ferreri, 1973

Gros morceau... Quatre amis quadragénaires issus de la bourgeoisie, la bonne société (un restaurateur, un commandant de bord, un journaliste et un juge), s’enferment dans une demeure cossue du 16^e arrondissement pour s’y suicider par excès de nourriture. « La bouffe, la baise et la mort ».
Face aux constructions sociales, le retour au corps, à l’animalité, ce que l’on ne maîtrise plus et finit par trahir, dans tous les cas.
À un niveau de lecture supplémentaire, on pourrait aussi y trouver la critique d’un monde qui ne se nourrit plus pour vivre mais qui vit pour manger, jusqu’à en crever, la boulimie d’un capitalisme déjà (film de 1973) malade, une aberration qui concentre en quelques mains ou quelques estomacs plus de richesses qu’ils ne pourront jamais ingérer, laissant les plus pauvres crever aussi, mais de faim.
Un désir de pouvoir — phallique — face à la peur de mourir. Une régression infantile, retourner au ventre en s’abreuvant au sein nourricier.
Panorama des vanités face à l’organique et unique vérité de la merde et des chairs putréfiées.
Finalement, les chiens se comportent mieux... (tiens...)
Scandaleux pour la société de l’époque (et peut-être d’aujourd’hui ?), dérangeant, acidement drôle ou affligeant, écœurant, sensationnel, c’est certain, presque cinquante ans après ce film ne peut toujours pas laisser indifférent.
Film essentiel, à éloigner cependant — faut-il le préciser — des personnes les plus sensibles à ce type d’images (pour les curieux les plus avides, je me rends compte que le film est même visible en entier en streaming et gratuitement, sans grandes recherches).

Pour pousser encore un peu plus loin, le Salò ou les 120 Journées de Sodome de Pasolini, sorti deux ans plus tard, tout aussi important mais que je reconnais n’avoir pu regarder que « distraitement », faisant autre chose en même temps pour conserver suffisamment (?) de distance — chacun ses trucs —, et que je reverrai probablement, un jour, peut-être...

Contacts vol.1

Contacts vol.1, série documentaire sur une idée de William Klein, 1990

À la découverte du travail de photographes connus et reconnus au travers de leurs planches contact, et de leurs propres rapports à ces planches. Contacts. Mot-valise qui nous emporte et fait liens avec une multiplicité de plans, de niveaux, et aussi avec le film sur Gilles Caron Histoire d’un regard. Des contacts très intéressants, enrichissants, inspirants, plein d’enseignements, à plus d’un titre, même si (ou justement parce que) la sensibilité, la démarche ou les sujets d’un photographe peuvent moins directement toucher que ceux d’un autre.

Au programme :

William Klein,
Henri Cartier-Bresson,
Raymond Depardon,
Josef Koudelka,
Edouard Boubat,
Elliott Erwitt,
Marc Riboud,
Helmut Newton,
Don McCullin,
Léonard Freed,
Mario Giacomelli.

L’île aux chiens Isle of dogs

L’île aux chiens Isle of dogs, film de Wes Anderson, 2018

Porteurs d’une maladie, la grippe canine, les chiens sont massivement exilés sur une île au large de la ville précédemment utilisée comme décharge.
Quand on veut tuer son chien on dit qu’il a la rage, dit-on...
Au-delà de son rapport à notre actualité [3], un film sur le rapport à l’autre, quelle que soit la source de l’altérité, les rôles que l’on veut bien s’attribuer ou que l’on se voit attribuer par d’autres, abordant les questions de fidélité, de loyauté, et c’est pas que pour les chiens
En outre, Wes Anderson adopte un parti-pris graphique super riche et hyper intéressant qui mériterait facilement plusieurs visionnages et heures d’analyse pour en cerner toutes les subtilités. Il en ressort que cette forme bien particulière est porteuse d’une symbolique ayant développé sa propre grammaire nous baignant dans une atmosphère propice à une véritable expérience immersive plus qu’un simple visionnage, que je regrette alors de n’avoir pu vivre sur grand écran.
Très sympa qui révèle(ra), je crois, toute sa profondeur au fil du temps.

L’œuf du serpent The Serpent’s Egg

L’œuf du serpent The Serpent’s Egg, film de Ingmar Bergman, 1977

Berlin, 1923, années autrement folles où chacun fait ce qu’il peut pour tenter de survivre malgré l’emballement forcené de l’inflation (Hyperinflation de la République de Weimar), réduisant la plupart à l’angoisse du chômage, à la misère et au désarroi. On y suit les errances d’un acrobate américain, Abel Rosenberg, pris dans un décor infernal dans la fange des comportements humains mus par la peur et l’instabilité qui mènent à la folie et l’annihilation, plongeant d’un chaos dans un autre. Le piège psychologique est lancé. L’intrigue comme miroir d’une société aux prémisses des horreurs que nous connaissons.

Totalement désespéré, le film nous laissera sur ces quelques mots expliquant le titre (issu, lui, d’une tirade de Brutus de William Shakespeare, merci Wikipédia) et faisant froid dans le dos :

Film à gros budget comparé aux productions habituelles de Bergman, on lui a souvent reproché de s’être perdu dans la profusion de moyens. Certes. N’empêche que sa patte, son extrême sensibilité et son écriture sont bien présentes et je trouve, à part quelques passages un peu flottants dans les apparitions d’Abel interprété par Caradine, le film très réussi. Désespérément réussi lorsque ce qui apparaît comme une fable funèbre se révèle à la fois comme le récit d’une période passée et une parabole de possibles qu’on ne peut tout à fait écarter d’un simple revers de main.

Sueurs froides Vertigo

Sueurs froides Vertigo, film d’Alfred Hitchcock, 1958

D’avoir eu la chance de découvrir très tôt l’œuvre d’Alfred Hitchcock, lors d’une treuès lointaine rétrospective co-organisée par le ciné Art et Essai et la fac de la ville où je vivais alors, je me rends compte que ça faisait bien trop longtemps que je n’en avais regardé un. Les étranges associations d’idées et un visionnage récent de La jetée m’amènent donc à revoir Vertigo, superbe film d’une série de chefs d’œuvre, l’histoire d’un homme aux prises à la recherche d’une perfection fantasmée issue du passé pour échapper à une réalité présente à laquelle il n’arrive à faire face... Difficile de ne pas y retrouver Hitchcock lui-même et son ambivalence vis-à-vis de ses actrices, comme il est difficile de ne pas y retrouver dans un sens tout humain à tendances perfectionnistes... Ça donne le vertige !